La propuesta se estructura como un itinerario metafórico y un diálogo activo. Las artistas invitadas intervienen los versos de manera libre e intuitiva, creando un lenguaje hipertextual que revela capas de significado mediante apuntes, dibujos, collages y enlaces online. Este proceso permite un recorrido transtemporal y transgeneracional, donde la poesía del pasado y del presente convergen en una relectura artística compartida.

Las voces de la serie: De Sexton y Portal a Abu Nada

El proyecto ha iniciado el diálogo con dos figuras imprescindibles de la literatura: la estadounidense Anne Sexton y la peruana Magda Portal. Los números 1 y 2 de la serie se encuentran actualmente en proceso de intervención por parte de creadoras visuales que intercalarán sus propias visiones con los versos de las poetas. Para esa etapa, las artistas invitadas son Angie Bonino (Perú), Sandra De la Cruz (Colombia) y Patricia Otterberg (Suecia).

Cabe resaltar que para el número 3 de la serie, dedicado a la memoria de Hiba Abu Nada, la poeta palestina que fue asesinada en Gaza en octubre de 2023 en un feroz bombardeo israelí, se ha buscado reivindicar la “honestidad cruda y resiliente” de la palabra, poniéndola en diálogo con el arte.

La poesía como salvación

Esta iniciativa nace del deseo de conectar con la condición humana desde el reconocimiento y significación de las voces femeninas. Al integrar arte y poesía en formatos innovadores, el proyecto suscribe la idea de resistir a lo obvio de la barbarie a través de exponer la sensibilidad y la belleza de la creación hecha por mujeres, como una forma de conocimiento y una vía de acceso. Pues el arte cuestiona, desplaza, incomoda y abre grietas. 

La serie “Cuadernos de poesía para colorear”, es producida e impulsada por Comunina España y Malva Hipertextual. Constituye una alternativa de difusión cultural que busca innovar en los formatos de escritura y lectura al utilizar el arte como puente comunicativo. Porque el alma del proyecto radica en su capacidad para crear un espacio de encuentro entre diferentes épocas y sensibilidades con la divulgación de las voces femeninas. Impulsando así la poesía escrita por mujeres de diversos contextos, facilitando que su obra llegue a nuevas audiencias. En un diálogo transtemporal y transgeneracional. Rompiendo las barreras del tiempo para generar una conversación artística viva.  Asimismo buscando una conexión humana.

En el proyecto, la intervención artística es una forma de comunicación profunda que expande el mensaje original a través de un lenguaje hipertextual. Esto crea un lenguaje de significados abiertos que permite al lector descubrir múltiples capas de sentido. Asimismo explora una re-lectura visual pues el arte funciona como una herramienta que indaga en líneas de tiempo inesperadas, permitiendo que la sensibilidad de una artista visual, complemente y potencie la voz de la poeta. Así a través de la poesía y la acción artística se deconstruye y se diáloga en un acto de resiliencia creativa, también como testimonio y memoria. Porque esta iniciativa pretende reforzar la convicción de que la expresión artística es vital para hacer visible lo invisible.Pues la experiencia humana merece ser expresada incluso cuando no puede ser comprendida.Desde ese lugar donde habitan las emociones, tensiones sociales, memorias, deseos, contradicciones. En los próximos números de la serie se ha previsto publicar a Isabel-Clara Simó, Blanca Varela, Marina Tsvétaeva, entre otras.

En el Perú las mujeres de los sectores más vulnerables han procurado organizarse para enfrentar las necesidades de alimentación y salud. Muchas de ellas migrantes o hijas de migrantes provenientes del interior del país. A través de los llamados “Comedores populares” “Comités del Vaso de Leche”, destacadas organizaciones nacieron de la iniciativa, coraje y resistencia de las mujeres en respuesta a la precariedad de las condiciones de vida de pobreza extrema y a la ausencia de políticas más inclusivas a nivel estatal durante décadas. Es por ello que la colección Arte, Mujeres y resiliencia que fue presentada en España, ha querido hacer un homenaje a través del arte, a las mujeres peruanas de los sectores más invisivilizados de la sociedad. En esa línea, la Asociación de Comunicación, Cultura y Desarrollo Comunina que actualmente tiene sede en la Comunidad Valenciana, se formó como un proyecto de comunicación y laboratorio cultural hace más de veinte años en el Perú. A través de su recorrido, Comunina ha desarrollado experiencias desde el arte y la creatividad en procesos colaborativos, en especial con niños, niñas y mujeres vulnerables y jóvenes. Uno de sus primeros proyectos fue la edición de la revista El otro perfil de la ciudad (1994-1997)  que buscó visibilizar por los años noventa en Lima,  la situación de riesgo infantil de los llamados “niños de la calle” en un entorno complejo en el que coexistían diversas violencias. Así también Comunina realizaría formaciones, proyectos expositivos, campañas de sensibilización por los derechos del niño y la niña (UNICEF, Convención de 1989) en sectores frágiles. Por otro lado realizaríamos la campaña Impacto Mujer con el apoyo de la Fundación Ford, DEMUS y diversas organizaciones. 

Posteriormente, la propuesta de Comunina se expandiría a sectores de la periferia, a los poblados de Villa El Salvador al sur de Lima donde se realizaron intervenciones artísticas y talleres participativos. Entendiendo el arte como una vía de expresión, transformación y resiliencia. Uno de esos talleres fue el de arpillería con niños y mujeres de los Asentamientos Humanos Oasis y Héroes del Cenepa, cuyos trabajos se pudieron apreciar en la exposición, junto a las obras de dos reconocidos fotógrafos peruanos Carlos Chino Domínguez, Raúl Méndez Robles. Asimismo, con piezas de obra inédita de arte digital de la artista peruana Tota Juárez.  

En Arte, mujeres y resiliencias se expusieron más de 26 piezas de 15×10 cm de arpillería, y fotografía en el marco del proyecto Heroínas Migrantes, una propuesta de montaje inclusivo que promueve los derechos culturales. La muestra se presentó en marzo en el marco del Día Internacional de la Mujer, en el espacio expositivo de la Biblioteca Pública Municipal Pare Arques. La elaboración del guion museográfico ha sido posible gracias al apoyo del Archivo Histórico Jesuita del Perú, la Familia Domínguez, el Archivo Tota Juárez, BNP Digital, Artmediaprint y Ajuntament de Cocentaina de la Provincia de Alicante.

Imágenes de mujeres del Perú en tamaño postal

Las mujeres resilientes en el Perú han resistido a los procesos de exclusión a través del desarrollo de diversos oficios, en especial en la confección de textiles. La arpillería fue creada principalmente por mujeres quienes utilizaban retazos de tela para bordar escenas que reflejaban la realidad social y política de la época. Si bien los primeros talleres de arpilleristas aparecieron después del golpe de Estado de 1973 en Chile, bajo el apoyo de las iglesias chilenas y organizaciones de derechos humanos, en el Perú, al sur de Lima, se desarrollaron diversos grupos de mujeres arpilleras en los distritos de Villa El Salvador, Villa María del Triunfo. Las arpilleras se convirtieron en una herramienta de denuncia y comunicación, plasmando en sus obras diversos elementos simbólicos. 

En el Perú, las mujeres arpilleras del Cono Sur de Lima son conocidas por su habilidad para crear hermosas piezas hechas a mano con retazos de tela. Procedentes de zonas del interior del Perú, algunas de las mujeres arpilleras fueron desplazadas por la violencia política de décadas pasadas, otras se desplazaron huyendo de la extrema pobreza. Mujeres migrantes e hijas de migrantes, en zonas como Pamplona Alta, en San Juan de Miraflores, en las periferias de Lima. Y es que través de la arpillería, muchas de la mujeres han recreado sus paisajes interiores con retazos de telas cosidas con  vibrantes colores como las mujeres de la asociación Pamplona Artex que han encontrado en la  arpillería no solo son una forma de expresión artística, sino también una fuente de ingresos que les ha permitido mantener a sus familias y mejorar su calidad de vida. Compartir sus historias y conectar con otras mujeres que enfrentan situaciones similares.Estas mujeres utilizan sus habilidades artísticas para contar historias y expresar sus experiencias y luchas diarias. Las arpilleras no solo son una forma de arte, sino también una herramienta de resistencia y empoderamiento. A través de sus creaciones, estas mujeres abordan temas como la pobreza, la violencia y la injusticia social, y buscan generar conciencia y cambio en sus comunidades. Las mujeres de Villa María del Triunfo, en Lima, han utilizado el arte de las arpilleras como una forma de resistencia y empoderamiento. Estas mujeres, conocidas como arpilleristas, crean tapices de tela donde narran sus experiencias, luchas diarias y memorias. 

Enlaces informativos:

En algún sentido, a la luz de una acelerada mutación de la sociedad del espectáculo, subyacen “hilos de viralización” como ramificaciones soterradas. Un espacio amorfo desde donde se filtran los vídeos de Tik Tok fagocitados que engendran noticias que ruedan y ruedan. Y es que el arte no es ajeno a los “integrados”. Umberto Eco lo definió como una legitimación a partir de un lenguaje de códigos asequibles que resultan fáciles de deglutir. Pero sin embargo, en los “hilos viralizados” una dimensión subyace invisible y se alimenta de materia sutil y de estados mentales. En el caso del arte va más allá, trasciende a los medios de comunicación, a veces superando la producción industrializada, el coleccionismo, la jerarquización donde la cierta firma de un artista de renombre patrocinado por el sistema del arte puede causar verdadera conmoción e incremento irracional en la cotización de su obra. Es en el contexto de lo dicho que una obra como la de Graciela Gutiérrez Marx (La Plata, 1942-2023) “El Tendedero” expuesta en la 42 edición de ARCO en Madrid constituyó una experiencia perturbadora. El mensaje de Graciela Gutiérrez Marx, escultora y artista experimental, pionera de la vanguardia latinoamericana, es potente. Una artista que comenzó su labor en los 60 vinculada al arte de acción, al arte postal y a diversos movimientos culturales de anti-arte y fluxus. Graciela desplegó acciones postales complejas, internacionales, afectivas y políticas que requerían de una investigación comprometida y detallada. Promotora de la Asociación Latinoamericana y del Caribe de artistas-correo, fundadora del periódico Hoje-Hoja-Hoy, Gutiérrez Marx fue una resistente voz crítica contra la barbarie. Su obra nos cautivó por la sencillez de su ejecución. Una instalación en contraste con el despliegue visual de otros espacios expositivos. Creada en el marco de la dictadura argentina, la obra nos invitaba a visibilizar “otros procesos”. Una obra que se construyó colaborativamente en el entorno de las desapariciones y torturas a manos de la dictadura argentina(1984). Su propuesta constituye asimismo, una práctica de resistencia, una acto coral, que incorporó en su trama, a todos aquellos que, sin pertenecer a los circuitos del mail-art, necesitaban expresar sus historias de dolor inenarrable. El concepto fue la estructura de un poema colectivo colgante, siguiendo el formato de un tendedero de ropa, como los identificados en los márgenes de la ciudad, en los barrios donde “se lava la ropa a mano”, entre arenales o descampados. Apela a la memoria  a partir de la resignificación de los tendales de ropa, como huellas de ausencia, en las casas de aquellos que fueron asesinados. Es asimismo un homenaje de los que quedaron: madres, padres, abuelos y abuelas, hijos, familias rotas. 

“Ambientamos un sector de la plaza como si fuera el fondo de una casa humilde, colocando palos y cuerdas que abrieron naturalmente una cartografía orgánica en el espacio, punteado por broches de madera. Lo acompañamos con un cartel-consigna invitando a la gente que pasaba a traer una ropa con historia. Pedimos que la historia fuera escrita y envuelta en nylon, para protegerla de la intemperie y sostenerla junto a la prenda escogida.”

Graciela Gutiérrez Marx

Finalmente, la obra nos lleva a reflexionar sobre cómo un objeto artístico puede, ser en si mismo una crítica audaz, provocadora. Si bien existe una relación entre “arte y medios”, asimétrica. En los medios de comunicación masiva, en la red, la presentación del arte, está condicionada por la forma cómo será percibido por el gran público. Más si se apela a los sentidos, no es suficiente con leer el discurso que acompaña a la obra, es además necesario sentir, contextualizar, emocionarse, rompiendo la capa banal, ordinaria. Y así no sucumbir, a la seducción hueca de un titular llamativo, en vez de ello, abrir una pequeña grieta, donde discurra un flujo de información emocional, de narrativas intersubjetivas, más allá de los relatos oficiales.

En mi caso, cuando trabajé el proyecto Museo locutorio pensé en la comunicación fuera de contexto, en espacios excepcionales en donde explorar relatos alternativos. Fue así como he ido construyendo mi propio museo objetual. Un lugar en un no-lugar donde explorar, re-visitar. Un punto A y un punto B, como flujos dentro de una cartografía donde los caminos se entrecruzan, interactúan, generan otros vínculos en el espacio para identificar nuevos grupos con identidades periféricas. Como en un locutorio, cuando nos comunicamos desde el anonimato en un contenedor-cabina. Con las ondas de sonido viajan también emociones, pensamientos, recuerdos desde un equipaje asincrónico. Así también a través de una maleta-pedagógica-colaborativa que pueda contener respuestas polivalentes, sensibles a las realidades en crisis. Al reunir un conjunto de materiales que puedan movilizarse, adaptarse a zonas intersticiales con una pedagogía crítica. Con una selección de objetos e imágenes que incorporen los saberes de las personas que participan en su confección desde una mirada intersticial.

Hace unos meses en Madrid, en el marco de un taller en el que asistí en el MNCARS, pude apreciar de forma especial, una de las ediciones de la caja-catálogo-museo portátil de Marcel Duchamp. Fue así como pude observar de cerca la exquisita y cuidada apariencia de tan señalada obra. Lo cual fue para mí y para las quince personas que me acompañaban, toda una invitación sensorial. Ello como parte un nuevo dispositivo de mediación de la biblioteca que busca aproximar al público a una de las formas del arte impreso más difíciles de clasificar desde sus orígenes hasta sus expresiones más contemporáneas. Sin duda una oportunidad de acercarse a raros originales, ejemplares de libros ilegibles realizados con tiradas de dados, máquinas de escribir disfuncionales, postales y cintas de casete intervenidas como las elaboradas por Ulises Carrión que experimentó en la (in) catalogación. En cualquier caso, los recursos pueden adaptarse a las circunstancias y a los materiales para comunicar. Ya sea a través de museos portátiles, maletas pedagógicas, cajas ensambladas, libros de artista con poemas, textos inconclusos, texturas, no-manuales de presentación, apoyo visual y sonoro. Todo lo que nuestra imaginación pueda aportar al proceso creativo para luego incorporar a la comunicación educativa.

(*)Paola Vañó, artista, poeta y gestora cultural. Autora de diversas publicaciones y del ensayo experimental “Museo Locutorio, derivas culturales desde la emergencia”financiado en 2022 gracias a Verkami.